Il programma si compone di una prima parte dedicata a György Ligeti e Peter Eötvös – con l’accompagnamento del percussionista Martin Grubinger – e una seconda, dedicata alla musica americana, con Charles Ives e George Gershwin. Il programma di sala, curato con competenza da Carlo Boccadoro, ha certamente permesso al pubblico di comprendere la portata musicale delle composizioni.

È significativo che la stagione di quest’anno della Filarmonica sia costellata di opere contemporanee: a partire dalla serata del 12 gennaio, con Ligeti e Varese, a seguire dopo il 2 febbraio con l’appuntamento del 23 con una prima assoluta commissionata proprio dalla Filarmonica a Carlo Galante - e poi più in là sia a maggio che a settembre, ancora con Ives. Una buona occasione per diffondere fra il pubblico musica di autori a noi più vicini.

Ambedue di scuola ungherese, Ligeti e Eötvös hanno sviluppato il loro percorso musicale nel dopoguerra – il secondo, in particolare, è tutt’oggi attivissimo compositore per orchestra e per teatro. Ives e Gershwin, possono essere considerati tra i massimi esponenti della musica americana; autore originale soprattutto di musiche strumentali il primo, di Gershwin si rimpiange la prematura scomparsa (a soli 39 anni): con il suo talento, avrebbe sviluppato ulteriormente le caratteristiche di energia, ritmo, mescolanza di linguaggi propri dei compositori americani.

Andando a fondo nel programma della serata, “Melodien” è una composizione del 1971 che lo stesso Ligeti, in una sua corrispondenza, descrisse come espressione della sua tecnica compositiva nota come micropolifonia, ma caratterizzata da una maggiore trasparenza e fluidità: le singole linee e tracce musicali, invece di fondersi, si sovvrappongono e si intrecciano matenendo la loro individualità. Sono composizioni da ascoltare più volte in quanto, a ogni ascolto, dopo la prima sensazione di caos (o, come scrive Boccadoro, di “labirinti”) subentra la comprensione delle singole tracce muuicali.

“Speaking Drums” di Eötvös, in realtà, è solo da ascoltare e da vedere. Le parole non rendono quanto si ascolta e si vede. La performance del percussionista Martin Grubinder è stata notevole, cosi come le urla e le grida (sì, proprio urla e grida) dei versi di un poeta ungherese. Il tutto nel contesto orchestrale di Eötvös. Una curiosità: Grubinger si è anche cimentato in un bis dalle elevate abilità tecniche che lui stesso ha definito “sport”, piuttosto che musica.

“A New England Symphony”, composta nel primo decennio del 1900 e poi revisionata negli anni successivi, è un insieme di tre composizioni che riproducono i ricordi e il memorial di tre luoghi (un monumento, un sito e un fiume nel New England) il tutto secondo lo stile tipico di Ives che utilizza e cita altri brani musicali originali, canzoni, marce militari e inni, in un’originale invenzione musicale.

“An American in Paris” è brano notissimo: la sua esecuzione, non a caso, è stata accolta dal pubblico con grande entusiasmo.

L’orchestra ospite dell’Accademia di Santa Cecilia ha ben eseguito le composizioni proposte. Solo un appunto, derivato anche dalle aspettative personali: “An American in Paris” mancava forse un po’ di quella energia e brillantezza che gli è propria, quelle sensazione di gioia, stupore e di sorpresa che intende trasmettere: la direzione di scuola ungherese di Eötvös, almeno per chi scrive, non sembra aver messo queste suggestioni abbastanza in risalto.

Programma:

György Ligeti
Melodien

Peter Eötvös
Speaking Drums – Quattro poemi per percussioni e orchestra

Charles Ives
A New England Symphony

George Gershwin
An american in Paris

Esecutori:

Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia

Martin Grubinger
percussioni

Peter Eötvös
direttore

La motivazione del premio dà ben conto che Steve Reich “è il rappresentante carismatico di un modo nuovo e originale di intendere la musica, accolto con entusiasmo da un vastissimo pubblico e che tanta influenza ha esercitato sulle giovani generazioni non solo americane. Il suo linguaggio, fibrillante di una pulsazione ritmica di forte impatto emozionale, si è via via arricchito, attraverso uno sperimentalismo colto e raffinato, di istanze provenienti da diverse tradizioni musicali che hanno ispirato composizioni considerate, ormai, ‘classici’ della contemporaneità”.

Il prestigioso riconoscimento attribuito da La Biennale di Venezia a Steve Reich si unisce ai molti premi, onorificenze e “Awards” conseguiti negli anni dal compositore statunitense; fra gli altri, il Premio Imperiale del Giappone nel 2006, il Pulitzer nel 2009 e due Grammy Awards nel 1990 per Different Trains e nel 1999 per Music for 18 Musicians.

Nella cerimonia di consegna, il Presidente della Biennale ha ricordato che l’opera di Reich è caratterizzata da due fondamentali elementi: la libertà e il principio di comunità. Due elementi che Reich stesso ha menzionato nell’incontro tenutosi nel primo pomeriggio di domenica 21 settembre nella Sala delle Colonne di Ca’ Giustinian, affollato di musicisti ed esperti del settore. È stato un incontro franco, nel corso del quale Steve Reich – come sua abitudine – con grande disponibilità ha risposto alle domande di Oreste Bossini e a quelle del pubblico. Ha fatto precedere l’incontro dall’ascolto dei primi tre movimenti (su cinque) dell’ultima composizione Radio Rewrite, di cui ha poi illustrato l’origine (per i conoscitori di Reich si tratta di una sua propria autonoma rielaborazione dei temi musicali di due composizioni dei Radiohead).

Steve Reich, riprendendo riflessioni esposte nelle interviste rese nel tempo, ha ricordato che lo studio e la conoscenza della musica non possono costituire per il compositore una prescrizione, un limite, un vincolo o un manifesto. Sono le basi sulle quali un compositore realizza la sua opera e le sue sensazioni. Così come pure ha minimizzato la classificazione della sua opera nel cosiddetto minimalismo americano; portando ad esempio anche artisti visuali, ha replicato che l’evolversi degli spunti e della struttura delle proprie composizioni musicali non permettono di ricondurre tutta la sua opera in quel movimento.

Il senso della comunità è espresso in tutte le sue opere. Reich ha contribuito – con la sua musica e quella della sua generazione di musicisti – a interpretare e riprodurre comportamenti e momenti della vita ordinaria delle persone in un contesto musicale accessibile, che ha permesso a quella musica di essere ascoltata ovunque, da diverse generazioni, e di essere fonte di ispirazione per altri musicisti anche di generi musicali diversi. Ne è testimonianza il riconoscimento pubblico da lui conseguito soprattutto negli Stati Uniti, durante il lungo periodo della sua attività (quasi 50 anni) a partire dal primo release nel 1965 di It’s Gonna Rain e Come Out fino all’ultimo release (del 2012) Radio Rewrite. È proprio quello di essere stato e di essere l’espressione di una società e di una cultura che si è evoluta progressivamente negli anni, orgogliosa di esprimere delle proprie originali linee musicali. Questa appartenenza alla comunità si è riflessa anche nella descrizione fatta da Reich durante l’incontro di una delle sue più recenti composizioni WTC 9/11, commissionata ed eseguita dal Kronos Quartet, durante la quale ha manifestato tutto il senso di partecipazione alla tragedia delle torri, che con questa composizione diventa elemento della partecipazione collettiva della comunità statunitense.

Nell’incontro, Reich ha raccontato i momenti salienti del suo percorso musicale, il suo incontro con John Coltrane, la sua collaborazione con Pat Metheny nella fondamentale composizione Electric counterpoint del 1987. Ha fatto riferimento ai compositori “classici” che maggiormente lo hanno influenzato: Béla Bartók e Stravinskij di Sacre du printemps. Ha ripreso con arguzia i temi legati ai rapporti con la musica sviluppata ai primi del Novecento da Arnold Schönberg e la scuola che a lui è seguita. Affermando – così come aveva affermato in precedenti interviste – di non sentirsi in alcun modo un rivoluzionario (rispetto alla musica composta sulla scia di Schönberg), ma piuttosto un restauratore avendo riportato la musica alla sua originaria capacità di ascolto e di ricezione delle tendenze contemporanee. Con semplicità ha detto che ai tempi di Beethoven gli autori avevano le finestre aperte, e nel comporre ascoltavano e recepivano i suoni della vita ordinaria; Schönberg ha chiuso quella finestra componendo sulla base di regole predeterminate. Reich sostiene che lui e gli autori della sua generazione abbiano riaperto la finestra che era stata chiusa.

Interessante è stato il suo ricordo del rapporto avuto con Luciano Berio: rapporto intenso, che ha aperto a Reich la riflessione sull’utilizzo del registratore e dei suoi registrati: ha però inteso sottolineare la sua differenza rispetto a Berio, in quanto nelle sue composizioni i suoni registrati sono o i suoni autentici della vita cittadina, o le parole pronunciate da persone o la registrazione di musica suonata con gli strumenti dai musicisti.

Non è questa la sede per ripercorrere le valutazioni di critica musicale sull’opera di Reich. Certamente una delle caratteristiche di Reich che si è evoluta per altro lungo il percorso delle sue composizioni, è quella di saper mettere in connessione (nel rispetto dei canoni musicali) – durante l’incontro Reich ha più volte utilizzato l’espressione “interlocke” rendendola visibile con il gesto delle mani che si stringono – la musica strumentale e la musica vocale lungo percorsi ritmici coordinati su una linea melodica e ritmica ben individuata.

Le opere di Reich hanno un’esecuzione non molto diffusa in Italia, al contrario di quanto avviene in altri Paesi europei, dove hanno spazio nel repertorio di importanti orchestre e complessi musicali “classici”. Solo per ricordarne alcune, le opere per quartetto sono nel repertorio di Sentieri Selvaggi – è di qualche mese fa il concerto a Milano; Musica per Roma nel 2007 e 2009 ha organizzato delle manifestazioni con esecuzione delle sue opere, nel 2009 City Life, e poi nel 2012 al Ravenna Festival.

Il conferimento del Leone d’oro potrebbe essere l’occasione per inserire in modo più stabile nel repertorio in Italia le opere di questo musicista contemporaneo che è da considerare ormai “classico”, consentendo a un più largo pubblico, e ai giovani, di avere l’occasione di ascolto di musica classica contemporanea, anche se espressiva di una società e di una cultura diversa da quella classica europea.

CONCERTO AL TEATRO DELLE TESE

La sera il grande evento si sposta al Teatro alle Tese in una sala colma di appassionati, dove i giovani musicisti dell’Orchestra Petruzzelli di Bari hanno eseguito due fra le più conosciute opere di Reich, Triple Quartet e City life.

Reich ha pubblicamente elogiato i musicisti dell’Orchestra di Bari per la perfetta esecuzione di queste due opere e, al termine dell’esecuzione, li ha personalmente ringraziati sul palco. Traspariva l’enorme soddisfazione di questi musicisti che si sono fortemente impegnati nella preparazione dell’esecuzione di un’opera che non rientra nel repertorio tradizionale. In ambedue le composizioni, un ruolo fondamentale è svolto dalla musica e dai suoni pre-registrati che si interconnettono con la musica eseguita dal vivo dai musicisti. Reich si è seduto al mixer di fianco al musicista dell’Orchestra Sinfonica del Teatro Petruzzelli di Bari, verificando personalmente di tempo in tempo l’altezza del suono. E in questo, infatti, risiede una delle peculiari difficoltà dell’esecuzione di queste opere – caratterizzate da un ritmo intensissimo, che impone ai musicisti che suonano dal vivo di tenere il tempo e il passo della musica e delle voci registrate che sono diffuse in contemporanea.

L’esecuzione è stata ammirevole e il pubblico largamente soddisfatto. Certamente in molti c’è stata la sensazione che anche per noi, in Italia, è giunto il momento di aprirsi a questo ulteriore filone di musica composta da autori contemporanei che ha tutti i titoli per definirsi “classica”.

La giornata, così come quella precedente, ha poi visto l’esecuzione da parte di Eco Ensamble di sette opere di compositori statunitensi della c.d. Bay Area, inclusa un’opera di Reich, Nagoya Marimbas, del 1994. Opere di struttura diversa, alcune con un tessuto musicale articolato altre con tessiture assai più particolari.

Come sempre, di musica si deve parlare poco. La musica va ascoltata. Reich ha pubblicato un ampio numero di album, oltre una trentina, e le composizioni maggiormente eseguite nei concerti internazionali sono, oltre a quelle eseguite a Venezia, (Triple Quartet e City life) Different Trains, Music for 18 Musicians, Radio Rewrite e Clapping.

Programma:

Domenica 21 settembre 2014

h 15:00
Incontro pubblico con Steve Reich condotto dal critico musicale Oreste Bossini (ingresso libero fino a esaurimento posti)
Sala delle Colonne di Ca’ Giustinian

h 17:00
Eco Ensemble di Berkeley in concerto. Fra i brani eseguiti “Nagoya Marimbas” di Steve Reich
Teatro Piccolo Arsenale

h 20:00
Teatro alle Tese (Arsenale)
Cerimonia di premiazione.
Seguirà il concerto con l’Orchestra Sinfonica del Teatro Petruzzelli di Bari diretta da Jonathan Stockhammer. In programma “City Life” e “Triple Quartet” di Steve Reich

Foto Credit @La Biennale Musica 2014/Akiko Miyake

Protagonista della prima parte è stata la pianista Martha Argerich – “divina”, come più volte scandito da parte del pubblico – che ha eseguito con forza ed energia travolgente il primo concerto per pianoforte e orchestra di Tchaikovsky accompagnata dalla Neojiba Orchestra – Orchestra Giovanile dello Stato di Bahia, diretta Ricardo Castro.

In assoluto controllo del palcoscenico e circondata da un’ottantina di giovani musicisti brasiliani ben diretti dal Castro, la Argerich ha dato una lettura esaltante e attuale del primo concerto, mettendo in luce la sua insuperabile e sempre giovane tecnica pianistica con le caratteristiche musicali della composizione. Elementi di novità musicali propri della composizione sono stati ancor più enunciati in una lettura libera, consentita anche della disponibilità dell’orchestra che ha assecondato l’esecuzione pianistica. Come si può facilmente immaginare, non fu l’esecuzione di Horowitz con orchestra diretta da Toscanini alla Carnigie Hall nel 1934, né tantomeno la prima (che si tenne a Boston nel 1875), ma proprio l’esecuzione di stasera, a dimostrare una volta di più la modernità di questa composizione.

Rimane fresco il ricordo della leggerezza del secondo movimento, così come quello dell’intepretazione del terzo movimento, basato su una danza ucraina. Come sottolinea il programma di sala, Tchaikovsky fonde “Folklore e cultura cosmopolita, rispecchiando quell’attaccamento alla rusticità comunque presente nella società russa”. Ecco, in questa serata, tale elemento di folklore è stato naturalmente reso con un finale travolgente e un’orchestra che ha accompagnato quasi danzando l’impressionante progressione della Argerich.

Una vera e sincera ovazione, ricambiata da un delicato bis, arriva dal pubblico: non solo come tributo a un’artista insuperabile nella sua tecnica e nel suo amore per la musica, ma anche come ringraziamento alla sua disponibilità nell’esibirsi in questo contesto e in una manifestazione come MITO – profondamente legata alla diffusione della musica. Quanti artisti unici come la Argerich avrebbero suonato con un’orchestra di giovanissimi come quella di stasera? Anche in questo senso, l’unicità dell’evento è stata sicuramente ben colta dal pubblico – competente e appassionato.

La seconda parte della serata, con solo con la giovane orchestra, ha vissuto tre momenti: prima le “Danze sinfoniche” da West Side Story di Bernstein; poi, una composizione del musicista brasiliano Heitor Villa-Lobos – assai melanconica e legata a musiche e temi tipicamente brasiliani; infine, in un tripudio di suoni, percussioni, ottoni e danze con totale partecipazione del pubblico (anche chi aveva lasciato il posto si è trattenuto all’uscita), una “cucaracha” e una esecuzione orchestrale di “Brasil”.

Una vera e genuina serata di musica, senza formalismi nè ritualità, che ha evidenziato – proprio come riportato nel titolo del programma “Vecchio e Nuovo Mondo in musica” – quanto la vera musica non conosca confini di luoghi, di tempi o di generi. Un altro successo per il festival Mito.

Programma:

Pëtr Il’ič Tchaikovsky
Concerto n. 1 in si bemolle minore per pianoforte e orchestra op. 23

Heitor Villa-Lobos
Bachiana Brasileira n. 4 per orchestra

Leonard Bernstein
Danze sinfoniche da West Side Story

Esecutori:

Neojiba Orchestra – Orchestra Giovanile dello Stato di Bahia

Ricardo Castro
direttore

Martha Argerich
pianoforte

Foto credit @MITO SettembreMusica 2014/Lorenzo di Nozzi

Al Teatro Dal Verme saranno eseguite “Strane costellazioni” per grande orchestra di Furrer (in prima esecuzione italiana) e il concerto per pianoforte e orchestra di Fabio Vacchi “Prospero, o dell’armonia”, melologo per attore e orchestra tratto da La Tempesta di Shakespeare.

Giovedi, in Conservatorio, Fabio Vacchi tornerà protagonista con l’esecuzione di “Dai calanchi di Sabbiuno” (una delle composizioni più note del compositore), “Veglia prima” e “Tagebuch der Empörung” (diretta da Chailly a Lipsia nel 2010), entrambe per orchestra e in prima esecuzione italiana; Beat Furrer, qui in veste anche di direttore, sarà presente con la composizione per mezzosoprano e orchestra “Canti della Tenebra” e la “Bianca notte” per soprano, baritono e orchestra, ambedue prime esecuzioni italiane basate su testi di Dino Campana e Sibilla Aleramo.

Martedì 16

Programma:

Beat Furrer
Strane costellazioni per grande orchestra

Fabio Vacchi
Prospero, o dell’armonia melologo per attore e orchestra
da La tempesta di William Shakespeare

Esecutori:

Filarmonica ’900 del Teatro Regio
Gergely Madaras, direttore
Orazio Sciortino, pianoforte
Sandro Lombardi, voce recitante

Giovedì 18

Programma:

Fabio Vacchi

Dai calanchi di Sabbiuno, per grande orchestra
Veglia prima, per grande orchestra
Tagebuch der Empörung, per grande orchestra

Beat Furrer

Canti della Tenebra, per mezzosoprano e orchestra
La bianca notte, per soprano, baritono e orchestra

Esecutori:

Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai
Beat Furrer, direttore
Giulia Peri, soprano
Gabriella Sborgi, mezzosoprano
Roberto Abbondanza, baritono

Che serata per “MITO“, al Conservatorio: programma pianistico non consueto e un assai talentuoso pianista italiano ad eseguirlo, il giovanissimo Alessandro Taverna.

La linea conduttrice del programma, ben descritta nel programma di sala, è perfettamente eseguita e interpretata dal giovane Taverna, in un crescendo di coinvolgimento e partecipazione. Si parte da quattro ballate di Chopin, eseguite con cura ed attenzione, quindi a seguire Ravel con la composizione “Gaspard de la nuit” e, per concludere, Igor Stravinsky con i “Tre movimenti da Petruška”.

Tutte composizioni di difficoltà tecnica elevatissima, che il giovane Taverna ha ben eseguito, preservando e mettendo in luce le caratteristiche proprie di ciascuna opera: il colore e la raffinatezza di Ravel, il ricordo della tradizione accoppiato alla forza del tempo che passa caratteristico di Stravinsky. La serata è stata coronata da due bis in progressiva evoluzione temporale e tecnica, raramente eseguiti in concerti italiani: “Plays piano Play” di Friedrich Gulda e la “Danza del gaucho matrero” di Alberto Ginestrera.

Davvero entusiasmanti. Peccato per chi non ha potuto essere presente.

Programma:

Fryderyk Chopin

4 Ballate
n. 1 in sol minore, op. 23
n. 2 in fa maggiore, op. 38
n. 3 in la bemolle maggiore, op. 47
n. 4 in fa minore, op. 52

Maurice Ravel
Gaspard de la nuit

Igor Stravinsky
Tre movimenti da Petruška

È una delle ultime opere del maestro, per pianoforte, e fa parte del ciclo Klang (suono): un lavoro incompiuto, composto di 24 parti, ciascuna dedicata a un’ora della giornata. Oggi sembra quasi singolare che l’ultima composizione di Karlheinz Stockhausen, “Cosmic Pulses”, corrisponda alla 13esima ora di “Klang” e venne commissionata dal festival Angelica di Bologna e dal romano Dissonanze, e infine eseguita per la prima volta proprio a Roma nel 2007 in una delle ultime esibizioni del Maestro.

“Natürliche Dauren” è un’opera integrale per pianoforte, composta di 24 parti che si susseguono secondo un ordine prestabilito, ma al tempo stesso con libertà concessa all’interprete. La composizione, anche se di lunga durata (oltre 2 ore), avvolge progressivamente l’ascoltatore per la varietà di temi svolti e lo stato di contemplazione che induce. Il luogo scelto e lo scenario sono apparsi ideali: musica non per un largo pubblico, ma più a causa delle scarsissime occasioni di esecuzione e pertanto di “divulgazione”, che per la musica in sè.

Una selezione di alcuni di questi brani non sarebbe estranea a una grande sala di concerto, magari a fianco ad alcune opere di Bach, in modo da spingere a interessanti paralleli e combinazioni.

Serata piena al Teatro degli Arcimboldi, con un pubblico numeroso e appassionato, sempre presente per il maestro Termikanov e la sua orchestra di San Pietroburgo, assai amati a Milano come a Roma. Il nostro commento della serata muove dalla seconda parte, dall’esecuzione di “Scheherazade” by Rimsky-Korsakov, suite sinfonica di timbro romantico che esprime a pieno la musicalità russa della fine dell’800.

Per chi era presente è stata una soddisfazione indicibile osservare la gioia con la quale il maestro Yuri Temirkanov e la sua orchestra hanno fatto musica, e il piacere con il quale hanno suonato ed eseguito un’opera che conoscono perfettamente e che interpretano in modo sublime. La consonanza degli strumenti, l’interpretazione dei movimenti, la partecipata direzione (senza bacchetta) del maestro, che pareva descrivere le figure musicali, l’encomiabile bravura dei solisti ne sono testimonianza.

Si trasmetteva dall’orchestra al maestro e al pubblico l’intimo piacere della musica, il desiderio di non finire. Un romantico primo bis con il “Salut d’Amour” di Elgar e, per chiudere con leggerezza, il “Vivo del Pulcinella” di Stravinskij, con i duetti di tromboni e contrabbassi.

Passiamo alla prima parte della serata dedicata a “Rach 3″, il concerto per pianoforte e orchestra in Re minore di Rachmaninov. Gli appassionati avranno letto le critiche sull’esecuzione del giovane pianista Federico Colli. È indubbio che non ci sia stato affiatamento fra l’orchestra e il pianista, e alcuni critici hanno attribuito questa dissonanza soprattutto al Colli, che ha suonato senza tener conto in alcun modo dell’orchestra, del suo ruolo e dei tempi. Ciò detto, il Colli – che ricordiamo ha 26 anni (cinquant’anni distanziano lui dal maestro Termikanov) – ha dato dimostrazione delle sue qualità tecniche e della sua capacità di eseguire un brano assai complesso e difficile. Il tempo gli consentirà di perfezionare le sonorità, i tempi, di dare meno spazio ai virtuosismi, e a rendersi unisono con l’orchestra.

Programma:

Sergej Rachmaninov
Concerto n. 3 in re minore per pianoforte e orchestra op. 30

Nikolaj Rimskij-Korsakov
Sheherazade, suite sinfonica op. 35

Esecutori:

Orchestra Filarmonica di San Pietroburgo
Yuri Temirkanov, direttore
Federico Colli, pianoforte

Apparentemente nessuna particolare novità oltre al piacere di riascoltare due pagine musicali molto conosciute ed eseguite. Ma non è così e non sarà così: avremo infatti l’opportunità di ascoltare il giovane pianista italiano Federico Colli confrontarsi con maestri fra i quali, per averla recentemente ascoltata, Martha Argerich, e soprattutto di apprezzare l’evolversi del linguaggio e dell’ispirazione musicale del secolo passato, appunto dai grandi russi a Britten e Benjamin.

Programma:

Sergej Rachmaninov
Concerto n. 3 in re minore per pianoforte e orchestra op. 30

Nikolaj Rimskij-Korsakov
Sheherazade, suite sinfonica op. 35

Esecutori:

Orchestra Filarmonica di San Pietroburgo
Yuri Temirkanov, direttore
Federico Colli, pianoforte